Indisches Schreiben auf Englisch: Eine Reflexion über die aufkommenden kreativen und kritischen Trends

Text meines Plenarsitzungsvortrags in derNational Seminar über Zeitgenössische südasiatische Literatur in englischer Sprache,20. – 21. März 2017 im Zentrum für Fremdsprachen (Englisch) der Central University of South Bihar, Gaya

Veranstaltungsort: Renaisance, Dayanand-Sushila-Kulturzentrum, A. P. Colony, Gaya

Freunde,

Sie werden zustimmen, dass wir als Dichter zur Gegenwart gehören, die unser kreatives Bewusstsein prägt. Einige von uns haben auch über die Krisen wesentlicher Ideen, Überzeugungen und Systeme geschrieben und leiden unter Isolation in unserem eigenen Geist, aber nicht ohne auf irgendeine Weise zu einer Versöhnung zu führen.

Um Octavio Paz aus seinem Nobelvortrag am 8. Dezember 1990 in Stockholm zu zitieren: "Es mag paradox erscheinen zu sagen, dass wir aus der Gegenwart ausgeschlossen wurden, aber es ist ein Gefühl, das wir alle irgendwann hatten. Einige von uns haben es zuerst erlebt als Verurteilung, später in Bewusstsein und Handeln verwandelt. Die Suche nach der Gegenwart ist weder das Streben nach einem irdischen Paradies noch das Streben nach einer zeitlosen Ewigkeit: es ist die Suche nach der realen Realität. " Diese "reale Realität" zu entdecken, könnte schwierig sein, weil wir selbst Teil davon sind, ihre Auflösung, Teilung oder ihr Verschwinden oder ihre Umwandlung in eine augenblickliche oder feste Gegenwart. Um aus Shiv K Kumars Gedicht 'Coromandel Beach' zu zitieren: "Ich weiß / wenn ich tiefer untersuche / werden alle Partikel / in das Loch rutschen – / das Meer wird rülpsen / und alle Beweise sinken / in das unterschwellige Bett. ""

Die verzweifelten entmenschlichenden Einflüsse der sogenannten zivilisierten Existenz – ihre sozioökonomischen Realitäten, das tragische Durcheinander, unter dem man leiden muss – haben tiefere Spuren in der heutigen Psyche hinterlassen. Um O.P. Bhatnagar zu zitieren: "Wir haben Angst, die Wahrheit zu sagen / und uns dem zu widersetzen, was ungerecht ist / schlecht und korrupt in unseren Knochen." (Die unhörbare Landschaft, p. 10)

Mehrere sensible Dichter ernähren sich von der Begegnung mit dem Unmittelbaren und dem Greifbaren; Sie handeln, indem sie versuchen zu verstehen, was es gegenüber ihren eigenen Träumen ist, oft in halbem Schlaf gesehen, unruhig und voller unzähliger Gefahren und Überraschungen. Sie erforschen ihren eigenen Geist, Körper, Psyche, ihr eigenes Leben. manchmal mit dem Bewusstsein mangelnder Harmonie mit ihrer Umgebung. Sie sind verblüfft über das Leben und das Leben im Schatten jener religiösen, politischen und sozialen Systeme, die uns gleichzeitig unterstützen, während sie uns unterdrücken. Manchmal lädt ihr gequältes Bewusstsein sie zur Selbstprüfung ein, manchmal erscheint das Gefühl, anders zu sein oder nicht dazuzugehören, als Herausforderung, als Ansporn, der sie zum Handeln anregt, sich der Außenwelt zu stellen, über ihre Entstehung nachzudenken, die Vergangenheit und die Zukunft.

Sie reflektieren den Zustand der von der Gesellschaft isolierten Individuen und denken über verschiedene Ebenen menschlicher Beziehungen und Existenzprobleme nach. Perversion, Korruption, Degeneration, Morbidität, Entbehrung, Unsicherheit; Schrecken des Blutvergießens; Schmerz und Qual zielloser Tötungen und des Todes; Gefühl der Hilflosigkeit; Bewusstsein für politische und soziale Turpitude; Spott über Idealismus, Werte und Moral; Tendenz, die Wahrheit zu manövrieren; Spiel der Bequemlichkeit; Ausbeutung der Armen und Unschuldigen; Kurz gesagt, die Heuchelei wirkt auf allen Ebenen. Sie wenden sich an Verkörperungen moderner Korruption, auch wenn sie ab und zu versuchen, zu verraten, wie es ist, ein Mensch gegenüber neuen Vulgaritäten zu sein.

Einige von ihnen machen Poesie aus Argumenten mit sich selbst: Sie sind getrieben, sich selbst und ihr Leben zu verstehen. Ihre "persönliche" Stimme wird durch Themen und Argumente in Bezug auf die Beziehung zwischen Körper und Geist belebt, in Bezug auf das, was die meisten Menschen zu verbergen versuchen – die sexuellen Gefühle, die Empfindungen des Fleisches; Wie jeder gute Künstler versuchen auch sie, das Leben zu zeigen. Sie schreiben mit dem Bewusstsein dessen, was in unserer gewöhnlichen Existenz geleugnet wird, was sich unter der Haut der Dinge um uns herum befindet, welche psychospirituellen Belastungen, moralischen Dilemmata, Verrat und Paradoxien es gibt.

Es gibt bestimmte Dichter, die persönliche Erinnerungen mit der Geschichte verbinden, während es eine Art Neo-Mystik bei der Verfolgung anderer gibt, die eine subtile Absorption von Motiven und Erinnerungen aus ihren eigenen Wurzeln / ihrer Vergangenheit zeigt, um den Sinn ihres verschiedenen koexistierenden Lebens zu erforschen . Die philosophische Einsicht und der künstlerische Wert des poetischen Schaffens machen viele neuere Dichter authentisch.

Meine Beobachtungen, wie auch immer allgemein, sollten Lehrer und Forscher motivieren, neue Stimmen zu erforschen und sie als Teil des Lehrplans zu studieren. Es enttäuscht mich und schadet der Sache des südasiatischen Schreibens auf Englisch, wenn ein junger Lehrer oder Forscher mir sagt, dass in ihrem College oder an seiner Universität keine Forschung über neue oder lebende Autoren erlaubt ist. Wenn wir als Dichter sprechen und behaupten, zu dem zu gehören, was wir als indisches Englisch bezeichnen, sollten wir als Akademiker sicherstellen, dass Dichter wie ich (oder Prabhat K Singh oder andere hier anwesende) nicht abgeladen werden, ohne gelesen oder bewertet zu werden . Ein wenig Großherzigkeit ist in unserem eigenen Interesse notwendig, um als indische englische Dichter und Schriftsteller in Erinnerung zu bleiben. Die Dynamik des jüngsten Schreibens muss durch Analyse und Kritik verstanden werden. Andernfalls stirbt die Ursache, wiederholt das Lob für eine Handvoll bekannter Dichter und Schriftsteller und recycelt die Forschung. Lassen Sie uns unser Ego ablegen.

Lassen Sie mich als Akademiker mit Ihnen teilen, dass ich als Professor und Leiter nicht nur die Studenten ermutigt habe, ihre Texte zu schreiben, bevor ich im Dezember 2015 in den Ruhestand ging. Solange das einjährige MPhil-Programm am ISM (jetzt IIT) fortgesetzt wurde Dissertationen über neue Autoren und Dichter, aber auch über neue Bücher ihrer Wahl. Sie untersuchten Werke von marginalisierten oder neuen Dichtern und Autoren wie R. Rabindranath Menon, Pronab Kumar Majumder, Niranjan Mohanty, VVB Ramarao, YS Rajan, APJ Abdul Kalam, SL Peeran, Syed Ameeruddin, Hazara Singh, PK Joy, DC Chambial, IK Sharma, Maha Nand Sharma, B Ahmad, Pashupati Jha, Vihang Naik, Manas Bakshi, Biplab Majumdar, P. Raja, RK Singh, Jaishree Misra, Mamang Dai, Tamsula Ao, S. Radhamani, Sudha Iyer, Nirmala Pillai, Venu Arora, Dipanwita Mukerjee usw. und ein wenig bekannter Mani Rao, Tabish Khair, Manu Joseph, Raj Kamal Jha, Chitra Banerjee Divakaruni, Jhumpa Lahiri und Eve Enseler (die schrieb)Vagina-Monologe), Raewyn Alexander (der schriebFett) und Ross Donlon. Meine anderen Kollegen dort leiten weiterhin die Forschung zu mehreren neuen Autoren aus Pakistan, Bangla Desh und Sri Lanka.

Ein solches Seminar bietet uns die Möglichkeit, neue Talente zu entdecken und darüber zu interagieren. Viele von ihnen haben gegen verschiedene Widrigkeiten geschrieben und veröffentlicht. Lassen Sie mich meine neueste Entdeckung erwähnen, Kalpna Singh-Chitnis. Wie Tabish Khair ist sie in Gaya geboren, aufgewachsen und ausgebildet. Sie unterrichtete Politikwissenschaft am Gaya College, bevor sie in die USA zog, um ihr Interesse an Filmregie an den Universal Studios der New York Film Academy in Hollywood zu verfolgen. Ein Bihar Rajbhasha-Preisträger, Übersetzer, Herausgeber einer LiteraturzeitschriftLeben und LegendeKalpna Singh ist Gründer und Regisseur des Silent River Film Festivals und lebt heute in Los Angeles, Kalifornien.

Ihre Gedichte sind erfrischend faszinierend. "Lass uns einfach sein, wer auch immer wir sind" – so versucht sie, die Seele zu entblößen, unser Sein auf jeder Ebene.Nackte Seele(veröffentlicht von Partridge India, 2015) ist ihre vierte Gedichtsammlung. Sie schreibt einfache, sinnliche und leidenschaftliche Gedichte, die spirituell erhebend sind. Sie verwendet natürliche Elemente als Metaphern für einen Komplex menschlicher Emotionen, die sie mit der ganzen Welt verbinden. Ihre Stimme ist "so originell und interkulturell wie universell und klassisch". Man kann die Mystikerin in ihrer Suche hören: "Ich bin den ganzen Weg gekommen / um deine Liebe zu mir nicht zu versuchen; // Ich bin hier, um zu erzählen – / Ich kann es mir nicht leisten, nicht mehr zu lieben!" (S. 12). Wie viele Dichterinnen auf der ganzen Welt erklärt auch sie: "Mein Körper ist nicht länger meine Begrenzung" (S. 19) und "wir genießen die uns verliehene Dunkelheit / führen uns aufeinander zu / unsere Flügel sind verletzt / und es gibt keine Himmel über unseren Köpfen, / aber wir haben, was der Himmel nicht tut; // wie eine Schnur in der Kerze / wir brennen zusammen, wir zünden zusammen an. " (Alte Liebe, S. 29)

Kalpna ist unschuldig, tief und einfühlsam, als sie die alte Frage untersucht: "Wer bin ich?" und fragt sich, ob sie "eine nackte Seele ohne Gesicht" ist? und fügte hinzu: "Ich kann mich in einem Moment / jenseits von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sehen / meinen Weg gehen" (S. 82). Sie macht inNackte SeeleDie "wilde innere Schönheit" einer Frau, wie sie in unterschiedlichen Tönen die Beziehung zwischen Mann und Frau artikuliert: "Ich kann nicht umsonst eine Katastrophe sein" (S. 19) und "Es ist jetzt Zeit für mich, meine Seele zu entleeren / in die Fülle von zu rollen Stille / um meine Stimme zu hören … "

Der Blick der Dichterinnen und auch die Aussichten sind herausfordernd. Sie untersuchen, wie ihre Gedichte zeigen, mutig ihr privates und öffentliches Leben oder alltägliche Erfahrungen. Sie integrieren das Fleisch in ihre Überzeugungen und Darstellungen, so wie sie sich traditionell mit ihrem Zuhause, ihrer Familie, ihrer Mutterschaft, ihrem sozialen Leben, ihrer Einsamkeit, ihrem Gott, ihrer Natur und ihren Mythen verbunden haben. Mit den tiefgreifenden Veränderungen, die in ihrem Leben stattgefunden haben, ihren Entscheidungen und Möglichkeiten in der letzten Zeit, ihrem Status, ihren Rollen, ihrem Beruf und ihrer Rechtsposition, äußern sie jetzt ihre eigenen Visionen und ihr Verständnis des Alltags, die sich oft überschneiden Kulturen und Regionen. Wenn sie ihre Sexualität darstellen oder unsere Sexualpolitik kommentieren, erzählen sie uns auch, wie die Frau auch ihren eigenen Platz in der poetischen Schöpfung beherrscht.

Mehrere neue Kollektionen, die ich in die Hände bekommen konnte, demonstrieren ihre Sensibilität und Kämpfe, die für ihren Mangel an Pedanterie, moralischen Kommentaren oder unnötiger Romantisierung sprechen. Sie nutzen das Medium, um einerseits zu verstehen, warum und wie das Leben ist, und um das weibliche Bewusstsein zu bereichern und zu feiern und andererseits ihre physische und spirituelle Existenz zu erlösen. Sie klingen warm, lebendig und fähig.

Beachten wir auch bestimmte offensichtliche Realitäten. Eine ganze Reihe unserer zeitgenössischen Dichter – Männer oder Frauen in den Dreißigern, Vierzigern, Fünfzigern oder Sechzigern mit einem Bewusstsein des 20. Jahrhunderts – haben gelernt, mit einer Welt im Umbruch zu leben. Sie sind in sehr enttäuschenden äußeren Lebensbedingungen aufgewachsen. Es war normal für sie (in der Tat ist es eine unserer kollektiven kulturellen Eigenschaften als Inder), intuitiv zu denken und / oder sich persönlich, innerlich, göttlich oder geistig zu wenden; Ihre Fähigkeit liegt in ihrer emotionalen Sensibilität als in der intellektuellen Abstraktion. Es ist nicht ihre Flucht, sondern ein Drang, die Situation für sich selbst zu ändern.

Eine kaschmirische Dichterin, Syeda Afshana, missbilligt mutig Politiker und Menschen, die gegen Frauen sind, kritisiert die Medien, weil sie Kaschmir auf "Propagandasymbolik" reduziert. Sie berührt Themen wie Blutvergießen, Gewalt, Aufstand, Verlust, Opfer und Beziehung. Es ist jedoch ihre "andere" Haltung, die sie bemerkenswert macht. Ihre Traurigkeit ist offensichtlich, wenn sie sagt: "Ein Schrei / das ist nur meins, nur meins / und ist seit undenklichen Zeiten unverändert geblieben." (Der flüchtige Sonnenschein, p. 24)

Chandni Singh schreibt als Antwort auf die Vergewaltigung eines 23-jährigen Mädchens (Nirbhaya) in Neu-Delhi vor drei Jahren und fühlt sich als Teil jeder Frau, die vergewaltigt wird. Lassen Sie mich aus ihrem Gedicht "Ich bin eine Frau in Indien" zitieren:

Ich kann mich in Fragen behaupten

über die Umwelt.

Ich kann beredt über Literatur und Musik werden.

Mir wird gesagt, ich bin die Zukunft;

und für einen Moment bin ich geneigt zu glauben

in der Blase habe ich mich eingekauft.

Aber jeden Morgen

Ich kauere.

MeineEgolümmelt

wie es in den Händen von kastriert wird

Schritt umklammernGoondas.

Ich habe die Zählung verloren:

Es gibt zu viele, um zu kämpfen.

Ich kann befreit werden. Und gebildet,

aber mein Feuer wurde gelöscht.

Weder Rhetorik noch Kritik können

Bring mir Trost.

Und so drehe ich die andere Wange.

Ich bin taub geworden für die Pfeifen und

blind für die Unanständigkeit.

Ich passe meine anDupatta

und geradeaus schauen

als sie die Straßen säumen und den Mund verziehen.

Ich bin nur eine Frau in Indien.

http://www.themindfulword.org/2013/woman-in-india-poem-chandni-singh/#J17f6gUsRfEhHdpV.99

Lassen Sie mich einige andere kürzlich in den Medien gemeldete Fälle erwähnen. Im benachbarten Afghanistan sind rund ein Dutzend Kabuler Frauen, die Poesie als Schwert bezeichnen, entschlossen, ihre neu entdeckte Freiheit trotz ständiger Morddrohungen der Taliban zu schützen. Poesie ist ihre Form des Widerstands in einer tabuisierten, äußerst konservativen und fast ungebildeten Gesellschaft, die das Schreiben von Gedichten als Sünde behandelt. Karima Shabrang zum Beispiel verwendet explizite Bilder der Intimität: "Ich vermisse dich … meine Hände strecken sich aus den Ruinen von Kabul … Ich möchte dich in mein Zimmer einladen, um köstlichen Rauch zu rauchen … und du wirst es mir geben Zuflucht in deinem zitternden roten Körper. " Immer mehr Frauen kämpfen dort für die Rechte, einschließlich ihrer Rechte zu schreiben und gehört zu werden.

HAIKU

Die Freiheit, sich frei und kreativ auszudrücken, fällt den meisten Frauen schwer, aber einige von ihnen, die sich nicht unbedingt feministischen Praktiken anschließen, haben ehrlich und mutig gezeigt, wie ihre Modernität darin besteht, eine neue Sprache für sich selbst und für neue Sichtweisen zu entwickeln Verständnis und Interpretation der Menschheit und der Welt für ihren Versuch, "Denken und Wachsen" zu ändern. Hier ist Haiku-Schreiben praktisch. Es entspricht dem aktuellen minimalistischen Trend. Einige Beispiele:

"In Blasen baden / meine Brüste verwandeln sich in Berge – / glitzern vor Schnee" (Pam Penny)

"Mai Morgen grüne Fliege / in meinem rosa Lippenstift hast du / einen schönen Tod gewählt" (Susan Kerr)

"Ich erinnere mich an die Untreue des letzten Sommers: / deine Zunge in meiner Wange" (Sheila Glen Bishop)

"Meine Jugend ist weg – / eine einsame Krähe kreist / fügt seine Klage hinzu" (Janice M Bostok)

"wieder schwanger – / das Flattern von Motten / gegen das Fenster" (Janice M Bostok)

"Das Schlafzimmer putzen – / die Wärme ihres Hemdes / in der Sonne liegen lassen" (Michael Dylan Welch)

"ihre Finger drücken / die Wurzeln in die Erde – / berühre mich nicht" (R.K.Singh)

"grüne Steine ​​- / das Moos erobert / der Berg" (Mohd Azim Khan)

Ich begann mit der Suche der Dichter nach der Gegenwart. Sie sind immer auf der Suche nach neuen Sprechweisen, nach neuen Spracherfahrungen, nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten für das, was wir sehen, fühlen und denken. Wenn ich jetzt über das Haiku-Schreiben spreche, das das kürzeste Lyrikgedicht ist, möchte ich klarstellen: Haiku-Gedichte befassen sich immer mit der Gegenwart; Sie sind in der Gegenwart geschrieben, um in der Regel ein Gefühl für den Moment der Erfahrung zu erzeugen. Es sind drei Zeilen, die herkömmlicherweise aus 5-7-5 Silben und einem Jahreszeitenwort (oder Kigo, wie sie es nennen) bestehen und den Prinzipien des Vergleichs, des Kontrasts oder der Assoziation zwischen den Bildern folgen. Mit den Worten einer kanadischen Haiku-Dichterin Betty Drevniok: "In Haiku theetwasund dasetwas anderessind zusammen in klar formulierten Bildern niedergelegt. Zusammen vervollständigen und erfüllen sie sich alsein besonderes Ereignis"Das heißt, Haiku ist ein vollständiges Gedicht, auf das sich das Publikum beziehen kann.

Zum Beispiel "ein Frühlingsschläfchen / stromabwärts gelegene Kirschbäume / in der Knospe". Was erlebt, aber nicht gesagt wird, ist der Gedanke, dass Knospen an einem Baum mit Blumen verglichen werden können, die ein Nickerchen machen. Das Bild der Kirschknospe könnte auch mit einer Reihe von Gegenständen verglichen werden, genauso wie etwas anderes in der Frühlingslandschaft mit einem Nickerchen verglichen werden kann, ohne das Ding zu benennen? Der Leser kann sich ein neues Haiku vorstellen oder erleben und erstellen!

Ich habe in den letzten drei Jahrzehnten eine Vielzahl von Haiku gelesen und geschrieben und einen Geschmack für nur solche Haiku entwickelt (ohne zwischen diesen zu unterscheidenHaiku, die konventionell objektiv, unpersönlich ist und sich beziehtNatur, undSenryu, das leicht ist und mit Humor, Ironie oder Satire zu tun hatMenschEreignisse), die konkrete Bilder oder die Empfindung eines gelebten Moments und keine Abstraktionen verwenden.

In den letzten Jahrzehnten hat sich Haiku als Weltdichtung entwickelt, und die 700 Jahre alte traditionelle japanische Form wurde internationalisiert, was den Dichtern in jeder Sprache und insbesondere in Englisch eine immense Möglichkeit zum Experimentieren bietet. Sie haben ihre Momente verschiedener Erfahrungen von poetischem Wert in drei (kurz-lang-kurz) Zeilen geteilt, die auf ein Minimum reduziert wurden. (Das heißt, es gibt keinen Raum für Adjektive, Adverbien, gemeine Details oder Kommentare, keine rationale Analyse, keine Verstärkung, sondern nur diewesentlichvom Moment der Erfahrung oder Beobachtung, in einem guten pragmatischen Gebrauch der Sprache. Der Dichter lässt die Leser mit seinem / ihrem Kontext in Verbindung treten.) Sie haben die kurze Gedichtform verwendet, um ihre persönlichen Gefühle und emotionalen Zustände, die alltägliche Realität, sinnliche Vitalität, Witz und Humor und sogar Reflexionen und Meinungen zu vermitteln. Entscheidend für den richtigen Effekt ist jedoch, ob diese auf eine tatsächliche, gelebte Erfahrung hinweisen oder sich auf diese beziehen und beim Leser tiefe Gefühle hervorrufen. ob der Dichter bestimmte helle Momente des Lebens mit seinen inneren Augen einfangen konnte.

Das Wichtigste ist, in einem abgespeckten, knappen Stil zu schreibengenauErfahrung oder das Bild (davon) und nichtÜberdie Gefühle selbst oder die Bedeutung; Überlasse es dem Leser. Die Gefühle sind am stärksten, wenn sie indirekt vorgeschlagen werden, indem der Leser das Bild oder die Handlung, die das Haiku vermittelt, erfahren lässt, anstatt zu versuchen, dem Leser zu sagen, was er fühlen soll.

Das Lesen neuer Haiku-Dichter erinnert daran, dass das Leben so reich an Ereignissen ist, dass man sich auf einen bestimmten Moment konzentrieren und ein Haiku kreieren kann, das nicht unbedingt alle cool, trocken und objektiv ist, sondern auch emotional erfüllt. Mehrere neue Dichter des Subkontinents – Sonam Chhoki, Namgay Wangchuk, Kinely Tshering, Tashi Gyaltshen (Bhutan); Abhi Subedi, Mukul Dehal, Bamdev Sharma, Janak Sapkota, Anand Raj Joshi und Haris Adhikari (Nepal); Athar Tahir, Naeem-ur-Rahman, Mohd Azim Khan, Sohail Ahmed Suddiqui und Shaheen Shah (Pakistan); Malintha Parera (Sri Lanka); Rahman Mustafizur, Sadiq Alam, Quamrul Hassan und Khan Munia (Bangla Desh); Angelee Deodhar, Radhey Shiam, Vishnu P. Kapoor, Vidur Jyoti, Pravat Kumar Padhy, Rebba Singh, Ajaya Mehala, K. Ramesh, Gautam Nadkarni, R.K. Singh, Kala Ramesh und viele andere (Indien) demonstrieren etwas mehr als Geschicklichkeit und Stil – Haiku-Sensibilität -, was den Lesern natürlich Raum gibt, sich vorzustellen, was unausgesprochen bleibt, um "Verbindung herzustellen". Die Leser werden Teil der Erschaffung des "Hier und Jetzt" durch die Dichter.

Aber es gibt auch viele Haiku-Dichter, die ich nicht nennen möchte und die eher eine poetische, literarische oder philosophische Sicht auf das Beobachtete als auf das Ding selbst bieten. Sie wirken romantisch, sentimental, didaktisch oder manipulieren geschickt die einfachen Wahrheiten der Naturwunder oder der Lebenserfahrung. Einige Dichter schreiben ihren Beobachtungsobjekten einen Zweck oder ein Ziel zu und hindern die Leser daran, Verbindungen herzustellen. Sie neigen dazu, zu erklären und auszuarbeiten (wie in ihren regulären Gedichten), anstatt ihre Erfahrung des Augenblicks zu skizzieren. Einige andere schreiben am Ende 'erhabene' Gedichte oder halten an der 'Form' und nicht am Geist fest, dem Geist des Hier und Jetzt, wie ich sagte.

Es ist der Geist hinter den Worten, der zählt: die Pausen, das Zögern und die Stille zwischen den Wörtern und zwischen den Zeilen, die Stille, die ein Gedicht zum Leben und Atmen bringt. Das ist es, was ein gutes Haiku ausmacht und nicht lehrt, predigt, moralisiert, philosophiert, intellektualisiert oder was sie in der epigrammatischen Poesie tun.

Meine Erfahrung mit dem Lesen und Schreiben von Haiku überzeugt mich vom besten Haikupassiert einfachoder bekommtleicht zu schreibenEbenso wie das kurze Gedicht mit seiner Direktheit, Natürlichkeit und Einfachheit der scharf beobachteten Momente im Leben und der Vereinigung von Geist und Natur etwas so Evokatives und Dynamisches vermittelt, dass man das Gefühl hat, am Leben zu sein, oder das, was man nennt der "Haiku-Moment".

Da Haiku ein anderes poetisches Werkzeug ist, wenn man zwei Bilder und ein Schlüsselwort verwendet, wenn man zwei Dinge, die zufällig etwas "zusammen" sind, mit Blick auf die Dynamik der Beziehung gegenüberstellt, wenn man bodenständig ist und vermittelt Sinnlichkeit mit oder ohne das traditionelle Kigo (Saisonwort) oder wenn man Freiform- und experimentelles Haiku in 3-5-3, 3-4-3, 4-7-5, 4-6-4 oder sogar 7 praktiziert -7 Silben oder nur kurze, lange, kurze Zeilen – ich genieße sie. Was zählt, ist Präzision, Wahrnehmung und Bewusstsein; Klang und Rhythmus, aber kein Reim.

Klassische Haiku reimen sich nicht, obwohl gereimtes Haiku, wie es von I H Rizvi oder T V Reddy versucht wurde, sehr gut möglich ist. Wenn es aus strukturellen Gründen nur zwei Zeilen in einem Haiku gibt oder die letzten Wörter von zwei Zeilen sich miteinander reimen, genieße ich sie auch, vorausgesetzt, das Haiku-Bild oder der Haiku-Geist bleiben intakt und alles ist klar und liest sich gut. Wenn Reime natürlich und fließend und nicht künstlich vorkommen, trägt dies zur Schönheit der Dreiliner bei.

Wenn ein südasiatischer Dichter mit dem Haiku-Genre vertraut ist und Sensibilität für das Medium zeigt, spricht er ein breiteres regionales / nationales / internationales Publikum an. Sie verstehen, was und wie Haiku ist, und so kann ihr „Stil“ im Hinblick auf lokale / regionale Verwendungen als Teil einer nationalen Norm untersucht werden. Die Authentizität des Ausdrucks der Dichter beleuchtet den mehrsprachigen / multikulturellen Situationskontext und ihr Englisch.

FORSCHUNG

Die Forscher können auch die sozio-emotionalen Kontexte und Probleme untersuchen: Haiku und Tanka ermöglichen Spannungen, Widersprüche und emotionale Ausdruckskraft, die jeweils für die Erforschung der Komplexität der einheimischen Identität von entscheidender Bedeutung sind. Sie können ihre Kommunikationsmittel studieren und dabei nicht nur die Verwendung der typischen Kigo-Wörter (Jahreszeiten) hervorheben, die für die Region und / oder den Kontext des Dichters einzigartig sind, sondern auch „Abweichungen“, die ein wesentlicher Bestandteil der Pragmatik und Stilistik sind Anpassung der japanischen Tradition und Verwendung des Englischen im SL-Kontext.

Wie ich laut denke, ist es zum Beispiel auch möglich, zu erkundenHeteronyme(die sich in ihrer Form unterscheiden, identische Referenzen haben und eine stilistische Äquivalenz aufweisen (z. B. Herbst / Herbst, Motorhaube / Oberseite, Mais / Hafer / Mais, Pflaster / Bürgersteig, Pfannkuchen / Hotcake, Anhänger / LKW / Sattelzug usw.) und sich auf beziehen Indische Kigo-Wörter helfen dem internationalen Publikum nicht nur, die Haltung der regionalen Präferenz der Sprecher / der territorial gewünschten Varianten für dasselbe Wort oder dieselbe Wortgruppe in einem Kontext zu verstehen. Es gibt so viele neue Ausdrücke und Innovationen in Haiku und Tanka.

Es wird so viel experimentiert in Wortbildung, Code-Mixing, Code-Switching und Leihübersetzungen, und es ist schwierig, südasiatische Englischkenntnisse oder das von Dichtern in der Region verwendete Englisch zu beschreiben. Hier haben Forscher die Möglichkeit, internationale und interregionale Vergleiche anzustellen und mögliche lexikografische Studien durchzuführen.

Diejenigen unter Ihnen, die sich für Stilistik, literarische Pragmatik, Diskursanalyse oder literarische Aktivitäten als kommunikativ interessieren, finden es möglicherweise lohnend, die neue Grammatik der Poesie über die japanische Poesieform zu erforschen, die nicht nur in Indien, sondern auch in Südasien, Europa und Nord auf Englisch angepasst wurde Amerika und Afrika. Die Dichter verwenden Metaphern, Ironie, Humor, Wörter mit doppelter Bedeutung, Wortspiele, Wortspiele, Rätsel / Rätsel, Paradoxon, neben japanischen Techniken vonShasei(Skizze aus dem Leben),Shajutsu(Realität), etwas darstellendwie es ist,Sabi(Einsamkeit, Einsamkeit, Mitleid),Wabi(Armut, Sparmaßnahmen),Yugen(Rätsel) usw. anders. Ihre Textstruktur und kommunikative Funktion der ästhetischen Erfahrung erfordert ernsthaftes akademisches Studium und Forschung, wenn Sie meinen Beobachtungen als praktizierender Dichter und Akademiker vertrauen, der sich für die Förderung der Kreativität im indischen Englisch und seiner Kritik einsetzt.

Lassen Sie mich Ihnen versichern, dass der Kanon die neuen und marginalisierten Stimmen nicht ablehnen muss (ich bin vielleicht voreingenommen, wenn ich einige erwähne und die anderen weglasse), sondern die Tendenz der Akademiker, die Machtpolitik auseinander zu nehmen, die indianischen englischen Dichter einfach abzulehnen Die Bevorzugung einer Handvoll Namen ist auch nach der Reife des indischen Englisch nicht positiv. Es macht auch keinen Sinn, Informationen (im Namen der Forschung) über bereits fest etablierte Autoren wie Mulk Raj Anand (ca. 100 Thesen), R.K. Narayan (ungefähr 140 Thesen), Raja Rao (ungefähr 70 Thesen), Kamala Markandeya (ungefähr 70 Thesen), Anita Desai (140 Thesen), Sri Aurobindo (75 Thesen), Ruth Prawer Jhabwala (50 Thesen), Arun Joshi (45 Thesen) ), Shashi Deshpande (über 45 Thesen), Salman Rushdie (47 Thesen), VS Naipaul (45 Thesen), Kamala Das (42 Thesen), Nissim Ezekiel, Manohar Malgonkar, Bhabani Bhattacharya (jeweils über 30 bis 35 Thesen) – diese Daten sind um 5 bis 6 Jahre datiert. Was gibt es Neues, wenn jeder dieser Autoren bereits über 20 bis 70 Bücher in voller Länge veröffentlicht hat? Diejenigen, die Doktorarbeiten evaluiert haben, können Ihnen besser sagen, wie frustrierend es ist, in einer Studie nichts Neues und Aufregendes zu finden, und doch ist es in Ordnung!

Eine Änderung der Einstellung ist notwendig. Solange die Wissenschaft nicht die literarische Vorstellungskraft und den sprachlichen Erfindungsreichtum der neuen und marginalisierten indischen und anderen südasiatischen Schriftsteller untersucht, während sie über ihre unterschiedlichen kulturellen Identitäten verhandeln oder nach Alternativen für die Schaffung einer anderen Welt suchen, werden sie sich nicht damit vertraut machen können Studenten und Forscher mit sich schnell ändernden Schreibstilen hier in unserem Land, sei es Fiktion oder Poesie. Fiktion wird leicht akzeptiert, weil sich die Form an die sich schnell verändernde Welt angepasst hat und Autoren neue Methoden des Geschichtenerzählens ausprobiert haben. Sie waren innovativ und Leser, die ihre Arbeit kaufen, unterstützen sie. Jüngste Fiktionäre wie Ashwin Sanghi, Amish Tripathi, Mohan Vizhakat, Rajiv Menon, Jaishree Misra und andere waren erfolgreich für ihre kreative Innovation und Mythenbildung. Sie sind es wert, für akademische Grade studiert zu werden. Auch Dichter brauchen Unterstützung.

Was auch immer wir helfen können, versuchen wir, Forschung relevant, erfrischend, herausfordernd, innovativ zu machen und neues Wissen zu erweitern, indem wir zum Beispiel die aufkommenden kulturellen Dimensionen und den Diskurs untersuchen. Die verschiedenen Welten, die erlebt, konzipiert und besprochen wurden, um die große Vielfalt an Erfahrungen und Gesprächen zu erkundender Welt(es gibt keineinerWelt, wie sie von uns überhaupt gedacht wurde); das "Anderssein des Englischen" in all seinen kreativen und kritischen Erscheinungsformen; die Beziehung einer Sprache (über die gesprochen wird) zu einer anderen (die, in der wir sprechen). Mit geeigneten theoretischen Ansätzen ist es möglich, den interkulturellen Dialog zu fördern. Wir brauchen ein vielseitiges Verständnis von Kreativität, wie Wole Soyinka einst plädierte, um ein Bewusstsein für den "universellen Katalog von Metaphern der Kunst" zu schaffen. William Harris spricht sogar von "einer Art interkultureller Psyche der Menschheit, einer interkulturellen Psyche, die den Ton und das Gewebe von Begegnungen zwischen sogenannten wilden Kulturen und sogenannten zivilisierten Kulturen strotzt".

Wir müssen vernünftig und dennoch tolerant sein, um eine vielfältige Kreativität zu würdigen und eine "vernünftige Diskussion" zu fördern, ohne hegemonial, antagonistisch, verurteilend oder bedrohlich zu sein. Es ist möglich, neue Literaturen im Geiste von Treu und Glauben, Verständnis und vernünftigen Meinungsverschiedenheiten zu untersuchen. Das universitäre Forschungsprogramm kann auf Multikulturalismus ausgerichtet sein, individuelles Denken wertschätzen und fördern, aber Dominanz, Konformität und Unterwürfigkeit entmutigen.

Wenn ich laut nachdenke, möchte ich vorschlagen, dass jeder Lehrer an seiner Universität und Hochschule drei bis fünf neue oder weniger bekannte oder marginalisierte Autoren (Dichter, Romanautoren, Dramatiker) in (I) lokal / im Distrikt identifiziert /Landesebene; (ii) regionale Ebene; (iii) nationale Ebene; (iv) auf internationaler Ebene, und studieren Sie jede von ihnen einzeln oder in einer Gruppe oder gemeinsam und / oder vergleichend sowohl intra- als auch interregional und international für MPhil- und PhD-Arbeiten und verhandeln Sie kreative und kritische Unterschiede. Dies wird dazu beitragen, eine große Anzahl neuer „Themen“ zu generieren und eine positive interkulturelle Vermittlung auf der Grundlage der Gleichheit zu fördern, anstatt auf der Grundlage von Dominanz gegenüber Dominanz.

Akademiker und Dichterfreunde wie Dr. I H Rizvi und Dr. Satish Kumar haben Werke veröffentlicht, die auf zahlreiche Dichter und Autoren aus Uttar Pradesh aufmerksam machen, genau wie Dr. C L Khatri und Dr. I K Sharma Bücher und Artikel über Dichter und Autoren aus Bihar und Rajasthan verfasst haben.Muse India, eine Online-Literaturzeitschrift, hat sich mit englischen Schriften aus mehreren anderen Regionen des Landes befasst. Ebenso ein weiteres neues Online-Journal,Schöpfung und Kritik, herausgegeben von Sudhir K Arora, Abnish Singh Chauhan und anderen aus einer kleinen Stadt wie Moradabad, hat neue Talente gefördert und sie mit dem internationalen Publikum verbunden. Diese Art von Übung muss aufgenommen werden, um der Literatur- und Schulwissenschaft auf lokaler, regionaler, nationaler und internationaler Ebene mit neueren theoretischen Ansätzen, die einen Wissenschaftler interessieren könnten, neues Leben einzuhauchen.

Mit Empathie, Anerkennung und Reaktionsfähigkeit können die literarisch-schulischen Orthodoxien der früheren Jahrzehnte durch neue Kontexte ersetzt werden, die von monopolistischen Ansätzen nicht beeinflusst werden. Anstatt den Niedergang der indischen englischen Schrift auszusprechen oder über ihre schlechte Qualität zu klagen, wie die Autoren vonIndische englische Literatur: 1980-2000(2001) MK Naik und Shyamala A Narayan tun, wenn akademische Kritiker professionelles Engagement und Engagement zeigen könnten, könnten wir in kurzer Zeit viele gute Dichter, Romanautoren und Dramatiker finden, außer die Kunst zu fördern, den Geschmack zu nutzen und sich zu entwickeln das Talent und die Förderung der Kritik.

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Source by Ram Krishna Singh

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